EL ARTE QUE ADMIRAMOS

GEORGES HENRI ROUAULT

LO SAGRADO Y LO PROFANO

(París, 27 de mayo de 1871 – 13 de febrero de 1958)

Georges Rouault en su estudio. 1953
Fotografía de Yvonne Chevalier

Pintor francés fauvista y expresionista, destacándose además en litografía y aguafuerte.

Rouault conoció a Henri Matisse, Albert Marquet, Henri Manguin, y Charles Camoin, quienes lo acercaron al Fauvismo.

Pese a su amistad con Matisse, no adoptó sus alegres temas y brillantes colores, sino que pintó payasos, marginados y jueces en tonos sombríos pero intensos. Estos cuadros expresaban su odio a la crueldad, la hipocresía y el vicio. Mostraban con apasionada convicción la fealdad y depravación de la humanidad y fueron concebidos como lecciones de moral sobre el pecado y la redención. Al principio inquietaron al público, pero a partir de la década de 1930 su autor consiguió reputación internacional.

L´administrateur Colonial

Su uso de bruscos contrastes y su emocionalidad se atribuyen a la influencia de Vincent van Gogh.

Sus caracterizaciones de personalidades grotescas remarcadas en exceso inspiraron a los pintores expresionistas.
 

En 1907, Rouault comenzó una serie de cuadros dedicados a tribunales, payasos y prostitutas. Estas pinturas se interpretan en clave de crítica social y moral. Le atrajo el espiritualismo y el existencialismo dramático del filósofo Jacques Maritain, quien fue un amigo cercano durante el resto de su vida. Después de esto, se dedicó a los temas religiosos. La naturaleza humana centró siempre su interés. Rouault dijo: «Un árbol contra el cielo posee el mismo interés, el mismo carácter, la misma expresión que la figura de un ser humano.»

Desde 1917, Rouault se dedicó a la pintura. Buscó inspiración en los temas religiosos: primero de todo, en el tema de la pasión de Cristo. La faz de Jesús y los lamentos de las mujeres a los pies de la cruz son símbolos del dolor del mundo que para Rouault quedaba aliviado por la creencia en la resurrección.

En 1930 comenzó a exponer en el extranjero, principalmente en Londres, Nueva York y Chicago.

Al final de su vida quemó unos trescientos de sus cuadros.

La Santa Faz, 1946

50 x 36 cm. Museo vaticano. Ciudad del Vaticano.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao (España) presenta, en colaboración con el centro Pompidou parisién, una colección de piezas de Rouault inéditas en Europa, a través de las cuales se traza un recorrido por toda su trayectoria, desde sus cuadros circenses hasta sus obras inacabadas, un total de 156 obras (óleos, grabados, e incluso una vidriera) de Georges Rouault, uno de los artistas más relevantes y personales de las vanguardias del s. XX.

El conjunto incluye algunas obras especialmente representativas, como Parade (c. 1907-1910), L’apprenti-ouvrier (1925), Veronique (1945) o la serie de grabados Miserere (de la que el museo de Bilbao posee 4 estampas), aunque no es en este caso su muestra, y a pesar de su reconocida calidad, el punto fuerte de una exposición que presenta por primera vez un buen número de obras inéditas e inacabadas procedentes del taller del artista, donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

La selección permite realizar un acercamiento no sólo a la plástica de Rouault, a su evolución técnica, y a su desarrollo conceptual como autor, sino, y principalmente a través de los temas seleccionados, a la profunda búsqueda desarrollada por el artista en torno a la condición humana.

En Rouault se funde lo divino y lo humano en unas composiciones que buscan siempre la representación de la dignidad del alma humana. 

Asuntos artísticos como el circense, tan de moda a comienzos de siglo a través de autores como Picasso, Daumier o Toulouse-Lautrec, le permitirán ahondar en esta idea, vertebrando, junto con tipologías sacras, buena parte de una producción que cada vez se irá volviendo más colorista y esperanzada.

Lo sagrado y lo profano mostrará, entre el 15 de noviembre próximo y el 13 de febrero de 2011, 156 obras —entre óleos, grabados, e, incluso, una de sus vidrieras— para descubrir a uno de los artistas más relevantes del siglo XX.

"Mi única ambición es ser capaz, un día, de pintar a Cristo de manera tan conmovedora que quienes lo vean se conviertan." 

     

Georges Rouault

Fuentes:

http://www.artelista.com/articulos/news2191/georges-rouault-lo-sagrado-y-lo-profano.html
Museo de Bellas Artes de Bilbao http://www.museobilbao.com/exposiciones/georges-rouault-156

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rouault.htm
es.wikipedia.org
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/rouault/rouault.html
diretoriodearte.com
http://es.paperblog.com/georges-rouault-paris-1871-1958-336804/
es.globedia.com

Mircea Elíade, "Lo Sagrado y lo Profano"

Georgina Elena Palmeyro

Prof. Teología y Antropología Social y Religiosa
http://compartiendoculturas.blogspot.com/

y.letradas@gmail.com

EL ARTE QUE ADMIRAMOS

JORGE CANALE

E-mail: info@jorgecanale.com.ar / canale@estudiocanale.com.ar

www.jorgecanale.com.ar / www.estudiocanale.com.ar

Desde 1973, el arquitecto Jorge Canale desarrolla su actividad profesional como diseñador en el campo de la imagen y la comunicación empresaria, siendo su estudio uno de los de mayor experiencia en Argentina en esa especialidad (www.estudiocanale.com.ar). Ha participado como miembro de la Sociedad Central de Arquitectos (SCA) y del American Institute of Graphic Art (AIGA).

Muchos de sus trabajos y escritos han merecido su publicación en medios nacionales e internacionales especializados tales como el Graphis Anual suizo, el Idea japonés y el  Modern Publicity inglés, entre otros. Ha participado en congresos como ponente, y realizado periódicamente exposiciones acerca de su actividad. (CAYC, Galería Ruth Benzacar y Galería Julia Lublin).

Sus trabajos fueron expuestos en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro, las VIII y X Bienales de Artes Gráficas de Brno (ex Checoslovaquia), la Bienal Americana de Artes Gráficas de Colombia, la Exposición Internacional Diseño 81 de Helsinki (Finlandia), la Exposición Latinoamericana de Diseño Industrial, y en las Jornadas de la Crítica ’84 de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, entre otros.

En agosto de 2005 realizó la muestra “Nocturno” en la Galería Loreto Arenas.

A principios de 2006 participó con su obra “La hoja mas pesada”, en el web site www.hormigaargentina.com.ar realizado por el crítico de arte Renato Rita, con el auspicio del Banco Patagonia.

En noviembre de 2006, participó de la muestra “Saraton de las artes” en la Galería de Arte Sara García Uriburu.

En abril de 2007 y 2008, formó parte de la subasta 2007 “Arte Contemporáneo Argentino” organizada por FUNDAIS en la Galería de arte Wussmann.

En los meses de mayo y junio de 2007 formó parte con cuatro obras de la muestra “Envio” realizada en la embajada Argentina en Pakistán y de la exposición en el Shakir Ali Museum, de Lahore. Dos de sus obras fueron adquiridas por el museo para su colección permanente.

En Agosto de 2007, realizó su muestra personal “Premoniciones” en la Galería de Arte Sara García Uriburu.

En el mes de marzo de 2008 participó en la muestra colectiva “La Hormiga Argentina”, organizada por Renato Rita en Galería Vasari de Buenos Aires.

En noviembre de 2008 realizó la instalación “23/02/48”, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires.

En el mes de abril de 2009 inauguró la instalación “El Matadero”, en Galería Daniel Maman Fine Art.

En el mes de mayo de 2009 inauguró la muestra “Lluvia Ácida”, en la Galería Nacional de Indonesia, en Jakarta.

En el mes de noviembre de 2009, inauguró la muestra “El Veredicto”, en el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires.

En el mes de octubre de 2010 realizará una exhibición de “Lluvia Ácida” en la Galería La Lanta de Tailandia, en Bangkok.

Algunas de sus obras.

 

La osamenta del ajuar

Esta Cyber-entrevista fue realizada vía e-mail en el mes de Mayo de 2010, por  Revista Y-Letrad@s al artista plástico Jorge Canale que vive y trabaja en Argentina.

Y-L: ¿Cómo comienza su carrera artística?

Jorge: La expresión visual es una de las primeras experiencias que desarrolla el ser humano en sus procesos de aprendizaje. La decisión de mostrar los resultados y contactarse con la mirada ajena es punto del azar en los mejores casos.

Y-L: ¿Tiene algún mensaje a la sociedad?

Jorge: El arte no es didáctico y pone permanentemente en duda sus propias creencias.

Y-L: ¿Por qué llevo su exhibición "Lluvia Ácida" a países asiáticos, siendo este tema igualmente tan importante en América del Sur? o bien... si su tendencia a este tipo de exhibición, nos debe dar a entender que su motivación al crear arte,tiene que ver con su pensamiento ecologista.

Jorge: Me interesa particularmente la idea de una obra que se vale por sí misma en un entorno extraño y sin apoyo.

Y-L: Muchas gracias Jorge.

El Arte Que Admiramos

ANDREA DEL VERROCCHIO

ANDREA DEL VERROCCHIO

Italia

1435 - 1488

Escultor y Pintor.

Nace en Florencia, Italia, en el año 1435, Andrea di Michele di Cioni, llamado Verrocchio  al  tomar el nombre de Giuliano Verrocchio, en cuyo taller trabajó.
Sus pasos en el arte se inician cuando comienza a trabajar como aprendiz en el taller de Giulio Verrocchi, continúan desarrollándose mientras que trabaja como escultor con Donatello, y como pintor con Alesso Baldovinetti.

Posteriormente, trabaja en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia y dirige una academia con importantes talleres escultóricos, que se convierte en el principal centro de arte de la ciudad  florentina. 

Sus alumnos fueron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Perugino, e influye en Miguel Ángel.

Alrededor de 1465 trabaja en el lavabo de la antigua sacristía de San Lorenzo, Florencia, y entre 1465 y 1467 ejecuta el monumento funerario a Cosme de Médicis, para la cripta bajo el altar de la misma iglesia.

En 1468 Verrocchio hace unos famosos candelabros para un pasillo del Ayuntamiento de Florencia.

En la corte se convierte en el protegido de Lorenzo Médicis, para quien realiza numerosas obras; en 1472 se le encarga la creación del mausoleo de Juan y Pedro de Médicis en la iglesia de San Lorenzo, y de 1478 a 1483 realiza el grupo de Cristo y santo Tomás de Orsammischele.

La única pintura firmada de Verrocchio parece ser la virgen con niños y santos, en la catedral de Pistoia.

De 1474-1475 es el bautismo de Cristo, actualmente conservado en los Uffizi. En esta obra fue ayudado por Leonardo da Vinci, que por entonces era un joven, quien acabó el paisaje y pintó el ángel de la izquierda, superando en calidad el resto de la pintura. 

Alrededor de 1478 acaba un Querubín alado con delfín, actualmente en el Palazzo Vecchio y que originariamente se pretendía para una fuente en la Villa Médicis en Careggi: esta obra está influida por el naturalismo dinámico que Verrocchio aprendió de Desiderio da Settignano. De la misma época es la Dama col mazzolino y el relieve para el monumento funerario de Francesca Tornabuoni para Santa Maria sopra Minerva en Roma (hoy en el Bargello).

En 1478 Verrocchio comienza una estatua del ecuestre B. Colleoni, quien había muerto tres años antes. La obra era un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. Verrocchio envía a sus comitentes un modelo en cera en 1480, y en 1488 finalmente se traslada a Venecia para asistir a la fundición del grupo.

Monumento a B. Colleoni de Andrea del Verrocchio. Venecia

Sin embargo, el pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano muere ese mismo año en Venecia, antes de que la obra estuviera acabada.

Muchos de los cuadros atribuidos a Verrocchio fueron ejecutados, con toda probabilidad, por sus discípulos, a partir de los diseños que hiciera el maestro. Las pocas pinturas en las que puede identificarse su estilo se distinguen por un dibujo y un modelado sobrio, firme y un colorido esmaltado.

Intensificó, en su pintura, las investigaciones técnicas, tendiendo a los efectos lisos de modelado y al estudio naturalista de la iluminación.

Con respecto a uno de sus principales cuadros, Bautismo de Cristo (1474-1475), recientes estudios e investigaciones han confirmado que uno de los ángeles y parte del fondo del cuadro fueron obra de Leonardo da Vinci.

Verrocchio como escultor, a partir de 1457 cuando se declara orfebre sin trabajo, trabaja al bronce en formas plenas y vigorosas al igual que el mármol. Fue el escultor más hábil y versado de su tiempo, ya que entre sus esculturas de destaca la elegancia, las formas tienen una clara definición y siguen un impulso dinámico que las hace lucirse.

Verrocchio resalta en sus obras los elementos decorativos, buscando en cada rostro una expresión intensa y una fuerza dramática.

Imágenes: Google.

Fuentes varias de Internet.

Georgina Palmeyro

Prof. Teología y Antropología Social y Religiosa

http://compartiendoculturas.blogspot.com

EL ARTE QUE ADMIRAMOS!

FAZAL SHEIKH

Luces y Sombras de la humanidad.

Por  Georgina

Fazal Sheikh, fotógrafo documentalista neoyorquino de padre paquistaní nacido en 1965, ha recorrido con su cámara las tierras de países como Cuba, Brasil, India, Pakistán o Afganistán, entre otros, plasmando con ella las necesidades humanas más dramáticas, los rostros cansados de aquellos que sí que padecen la dureza de una vida sin apenas posibilidades de cambio, sin apenas esperanzas, aquellos para quienes vivir un día más es ya en sí un triunfo…

Inocencia

En un principio centró su atención en refugiados de distintas partes del globo, personas que se han visto obligados a abandonar sus tierras para huir de guerras y matanzas.

Con el tiempo abrió su campo de interés y, en los últimos años, se ha preocupado por discriminación que sufren las mujeres indias desposeídas de todo derecho y condenadas a sobrellevar una vida difícil.


Sheikh personaliza los conflictos y los narra a través del rostro de sus protagonistas.

Que vamos perdiendo

Él busca representar a sus retratados con plena dignidad y serenidad, como personas y no como símbolo de aquello de lo que han sido víctimas.


Él pasa tiempo con ellos, los escucha, pide su colaboración, se gana su confianza y, en ese momento, aborda sus retratos.


Sus protagonistas posan relajadamente ante a la cámara, de manera frontal, sobre sencillos fondos que hacen que toda la atención de espectador se detenga en ellos.


Así, la mirada del retratado se encuentra serenamente con la del artista y éste la traslada al espectador.

Pensamos que nos hemos adaptado

La fotografía documental siempre ha necesitado de la palabra para poder transmitir comprensible y globalmente la realidad que busca comunicar: la claridad del mensaje es fundamental.

En el caso de Fazal Sheikh, los textos tienen una gran importancia.

En ellos, describe el contexto que rodea a las fotografías, indica el lugar, el acontecimiento, los datos históricos, los datos de la persona que retrata.

En 1998 añadió un componente más y empezó a recoger las historias que sus protagonistas le iban contando, para asociarlas de manera directa con sus rostros.

Es precisamente de esta asociación entre imagen y palabra de donde surge el mayor contraste.

Pero tal vez, no sea así.

El espectador se estremece al situarse en frente de unas bellísimas fotografías que reflejan dignidad y entereza, pero que esconden unas historias trágicas y violentas que el propio artista con sus textos pone de manifiesto.


Durante los últimos años, las fotografías de Fazal Sheikh han captado la atención de la crítica y han estado presentes en los principales museos norteamericanos y europeos.

En nuestro ocaso, cada arruga cuenta la historia.

En 2005 recibió dos de los más importantes galardones que puede ser reconocido el trabajo de un fotógrafo: el MacArthur Fellowship y el Henri Cartier-Bresson International Grand Prix. 


Su obra se ha expuesto, entre otras, en instituciones del prestigio de la Henri Cartier-Bresson Foundation (París), el Museum of Contemporary Art (Moscú), el Fotomuseum (Winterthur), el Nederlands Fotomuseums (Roterdam), la Tate Modern (Londres), The Art Institute of Chicago, el Internacional Center of Photography (Nueva York) y el Metropolitan Museum of Art (Nueva York).

Fuente:  http://arteenlared.com

Imágenes: sobrefotos.com